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Poetry and Performance (6) – Sound out loud!

Posted in Eirikur Örn Norddahl, Jaap Blonk, Pierre Guéry by lyrikline on 20. March 2016

poetry and p klien

Performativity is a central characteristic of sound poetry: Poetry and sound become one. Written notices are only of supportive function and help to realize the poems as sounds. Voice and body of the performers are part of the event that can be a bodily experience for both performers and audience. Sound poets are known for their extreme dedication. They scream and whisper fighting or praising the word and its acclaimed meaning.

[a playlist for World Poetry Day 2016] sound poetry

We asked sound poetry-performers Pierre Guéry, Jaap Blonk and Eirikur Örn Norddahl about their personal artistic view on performance and their experiences with it. And once more we find out, that the term performance has a wide range that differs a lot in both its theoretical understanding and its – performance!


Bei Lautpoesie steht die Performativität der Gedichte unangefochten im Mittelpunkt: Laut und Gedicht sind eins, schriftliche Notizen dienen meist nur als behelfsmäßige Gedächtnisstützen und stehen als solche hinter der Realisierung des Gedichts im Laut zurück. Stimme und Körper der Performenden sind unmittelbar mit dem Ereignis verknüpft, das auch für das Publikum zu einer körperlichen Erfahrung werden kann. Lautpoetinnen und -poeten sind für ihre außerordentliche Präsenz, ihre Lust am Experimentieren und ihre unübertroffenen Hingabe auf der Bühne bekannt.

[a playlist for World Poetry Day 2016] sound poetry

Pierre Guéry, Jaap Blonk und Eirikur Örn Norddahl beantworten für lyrikline Fragen zu ihrem Verständnis von Performance und berichten aus ihrem Erfahrungsschatz. Die englischen Interviews werden durch Videos ergänzt, die Guéry und Norddahl in Aktion zeigen. Und Blonk? Den zeigen wir am Welttag der Poesie.



Blonk (foto: gezett), Norddahl and Guéry

What is a performance – what is not performative?

Pierre Guéry: Concerning poetry, a performance is not a simple reading. Above all it is the whole poet’s body into space creating an energetic contact with the audience. With a text of course, but with a type of text that can involve the entire being of the poet: what he means with words, for sure, but also what his body suggests, what his voice impacts. For a performance the poet cannot remain into distance with his creation – whether he’s alone or with other artists on stage. Basically, he’s got to recall the specific pulse that was inside him while writing and give it back to the audience in its nudity. He’s got to have a strong will for transmitting and sharing this pulse sincerely, not being afraid by his fragility or violence. The audience knows very well whether this happens or not, and there is no possible cheating.

What is not performative: a simple reading with a great musician or a nice video! This is not enough to call it performance, though it is very current. Poetry performance (especially what is called sound poetry), as well, is not just yelling words like a mad person! A poetic performance is not just melting different arts to give the poem a beautiful suit.


Jaap Blonk: For myself it is 100% clear if I am performing or not. It’s a matter of turning a switch from 0 to 1 and back.

In the case of most poets I have seen on stage, supposedly performing, it wasn’t so clear if they were actually doing a performance or not.

Eirikur Örn Norddahl: My idea of performance is very much connected to the idea of “live” – a recording of a performance is closer to being text, which is then only performative at the moment of writing.

How important is loudness to your work?

Pierre Guéry: Loudness is just a help and can be fun. I use it quite often and create some effects that amplify what my voice wants to give. It is only a tool in my work and I never base on it because I want to keep a certain nudity. I do not want to count on technology to find something that I don’t possess myself.

Jaap Blonk: I assume by loudness you mean volume (dynamics in musical terms). This is of eminent importance for my work. I give it the utmost care in all gradations.

Eirikur Örn Norddahl: There needs to be a framed spectrum – the spectrum doesn’t have be great, but there needs to be an upper and lower border within which the artwork functions, for there to also be a breaking point, a point where the border is pierced and/or crumbles. It can never be so loud that you cannot – through effort – still make it a little bit louder if needed. I have also often thought of the connection between loudness and power as being interesting, not only because we often see the correlation – whether it be shouting police dogs or bombs – but because loudness is also a mask for the powerless, just as silence is a mask for the powerful.


What must the audience provide?

Pierre Guéry: There is no « must »! The audience provides or not, and it provides what it provides if the poet himself provides something strong – otherwise no feedback!

Jaap Blonk: There’s nothing the audience ‘must’ provide. However, I very much appreciate it if their interest goes deeper than just attending a performance, and also stretches toward the permanent objects of art, such as books and recordings. 

Eirikur Örn Norddahl: Presence. Humanity.


What was the greatest thing that happened to you onstage?

Pierre Guéry: So many great things happen all the time! The greatest thing is probably, most often, what is unexpectable – when the feedback is a total surprise (and consequently gives an unknown and new meaning to the piece that is performed).

Also when work involves another artist and when both poet and artist touch a state of grace by « making love to eachother » onstage – I mean find their own soul in the other one’s soul.

Jaap Blonk: Crossing what I had so far considered ‘the border of madness’, and finding out that the audience was not embarrassed at all, but touched by a genuine artistic utterance.

Eirikur Örn Norddahl: I don’t know if it can be considered great, but I once for a moment thought I had killed the great Jacques Roubaud with my poetry. He was sitting at the front at a show at the Days of poetry and wine in Ptuj, Slovenia, on a shaky stump of wood. When I started my show – which consisted of all sorts of weird noises and conceptually and politically motivated wisecracks – he started laughing. And he just kept laughing. When I broke into a ten minute shoutfest consisting of 17th century Icelandic zaum-nonsense he laughed so hard that he fell of his tree stump, stumbling on to the sidewalk. He was 80 at the time and half the festival panicked and got up to see if he was OK, and I still had eight minutes left of my shoutfest, looking out the corner of my eye feeling very insecure as to whether or not I had accidentally murdered one of my idols and whether or not that meant I should stop. (He was fine; and I didn’t stop).

I once had a whole platoon of finnish teen girls and horse enthusiasts chant along with one of my poems with great energy, I have had children go mad with joy, running around glowing – but I’ve also had people boo me, throw stuff at me, I have had people cry, shout, and one person even had an epileptic fit when I was on stage. And then I hadn’t even started reading yet.


Jaap Blonk,

Eirikur Örn Norddahl

and Pierre Guéry on lyrikline


Poetry and performance (4) – Presenting a poem in different ways

Posted in Gerhard Falkner by lyrikline on 18. March 2016

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A poem is a poem – what else could it be? The German poet Gerhard Falkner is eager to try out new ways of presenting his work. Collaborations with other artists, filmmakers, graphic and sound designers are the results of his curiosity towards new shapes and dimensions of poetry.

[a playlist for World Poetry Day 2016] music performances

Mi 17.10. 20:00 Mein Vorbild – Tom Schulz trifft Gerhard Falkner Tom Schulz im Gespräch mit Gerhard Falkner Foto:

Gerhard Falkner Foto: gezett

In an interview with lyrikline he describes the two steps of his artistic process. During the creation of a poem the dimension of sound is already included: “Denken ist hören” – “thinking is listening” and cannot be separated from writing or reading. But the access to poetry differs: Reading and listening are two possibilities with different advantages. The second step of the process comes after the production when the “original” poem is already concluded. In collaborations Falkner describes himself as a tree that is being put in scene by a fence or a poster: It is still the tree but it is being looked at differently. His openness towards working together with other artists anticipates the recognition of different energies. Text, sound and action must profit from the coincident presentation. The first performance of Das Wort by Gerhard Falkner and Sound Designer Johannes Malfatti at the Literaturwerkstatt Berlin demonstrates the synergy of improvisation and montage of text and sound.

Gerhard Falkner at lyrikline


Poesie und Performance (4) – Viele Arten ein Gedicht zum Sprechen zu bringen

Posted in Gerhard Falkner by lyrikline on 18. March 2016

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Ist das Gedicht immer schon Performance? Oder ist es erst einmal nur der Ausgangspunkt, der einzeln für sich steht und gleichzeitig die Auseinandersetzung und Weiterentwicklung durch andere Künstlerinnen sucht? Gerhard Falkner ist in der Dichterszene für seine Experimentierfreudigkeit bekannt. Für ein Interview mit lyrikline gibt er Einblicke vom Entstehungsprozess seiner Gedichte bis zur Aufführung mit anderen Künstlern.

[a playlist for World Poetry Day 2016] music performances


Eine Audioaufnahme der Live-Performance Das Wort in der Literaturwerkstatt Berlin demonstriert die Synergien, die der Zusammenarbeit von Gerhard Falkner und Johannes Malfatti entspringen.


Gerhard Falkner auf lyrikline


Poetry and Performance (3) – No Performance without an audience

Posted in Anja Utler by lyrikline on 17. March 2016

poetry and p klien

Talking about a performance is talking about the performers. While they appear in bright spotlights the audience is often seated in the dark receiving patiently what is being presented. As an author and poet Anja Utler knows the position of the performers. But besides her artistic work she engages in questions that also ask for the role of the audience. After working on a research project she published a book about the perception of spoken poetry. “manchmal sehr mitreißend”. Zur poetischen Erfahrung gesprochener Gedichte (transcript Verlag, Bielefeld, 2016) is a detailed analysis of the receptive processes during a poetry reading on the background of performative aesthetics. 

>>>[a playlist for World Poetry Day 2016] talking to the audience

Anja Utler aufnahme1_1_09_11_kl (Foto Tilman Grimm)

Anja Utler Foto: Tilman Grimm

In an interview with lyrikline Anja Utler explained that the feedback she got for her own readings was the starting point for her interest: Why did so many people insist that they had to listen to her poetry to be able to understand it? Listening to a text allows a different perception of it. In her book Utler describes the process of perception between the poem and the recipient while the role of the performing poet is put back. But not everybody agreed on her statement that the person reciting the poem is exchangeable.

The importance of the role of the recipients demands a new approach to the receptive process of spoken poetry. A performative approach to a poetical reading allows us to focus on the event character of a poetical experience. Instead of a distance that imposes an understanding (which can be the case with prose) the experience of poetry is a process of engagement. Reading as well as listening can be seen as possibilities of engagement that each need to be considered as an autonomous way of the perception of poetry. According to Utler a good poem-recipient-relation is opening a space for the speculative and offers a new perspective on our own thoughts and ideas.

Anja Utler on lyrikline

Poesie und Performance (3) – Keine Performance ohne Rezipierende

Posted in Anja Utler by lyrikline on 17. March 2016

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Wenn von Performance die Rede ist, fällt das Scheinwerferlicht nicht nur im wörtlichen Sinne zunächst auf die Performenden. Während sie im Licht erstrahlen, sitzt das Publikum meist im Dunkeln und nimmt schweigend auf, was ihm präsentiert wird. Anja Utler gehört selbst zur Gruppe der Gedichtproduzierenden. Doch abseits vom eigenen dichterischen Schaffen geht die promovierte Slawistin auch Fragen nach, die sich beim Sprechen von Gedichten ergeben und beleuchtet dabei vor allem die Seite des Publikums. Aus der Arbeit an einem Forschungsprojekt, das sich mit den Eindrücken von Dichterlesungen beschäftigte, entstand eine ausführliche Publikation. Einige wichtige Erkenntnisse aus dem Buch “manchmal sehr mitreißend”. Zur poetischen Erfahrung gesprochener Gedichte (transcript Verlag, Bielefeld, 2016) hat sie im Interview mit uns noch einmal aufgegriffen.

>>>[a playlist for World Poetry Day 2016] talking to the audience

lyrikline – Interview mit Anja Utler vom 09.03.2016

Anja Utler aufnahme1_1_09_11_kl (Foto Tilman Grimm)

Anja Utler Foto: Tilman Grimm


Warum beschäftigen Sie sich mit der Erfahrung gesprochener Gedichte?

Nach meinen eigenen Lesungen sagen immer wieder Leute, sie hätten die Gedichte hören müssen, um sie zu verstehen. Viele Kollegen, auch in anderen Ländern, machen die gleiche Erfahrung. Das wirft Fragen auf, und ich fand diese Fragen spannend genug, um sie in einem Forschungsprojekt genauer anzusehen: Weisen diese spontanen Publikumsaussagen vielleicht tatsächlich auf den Kern der Sache hin? Gelingt der Übergang in poetisches Wahrnehmen und Verstehen vielleicht wirklich dann am besten, wenn man einer Stimme folgen kann wie einem Faden? Und warum?


In ihrem Buch “manchmal sehr mitreißend”. Über die poetische Erfahrung gesprochener Gedichte werden Rezipientinnenaussagen zu Dichterlesungen untersucht. Welche Reaktionen haben Sie überrascht?

Ich hatte befürchtet, dass viele Leute keine große Lust haben würden, nach einer Lesung aufzuschreiben, was beim Hören der Gedichte mit ihnen passiert ist. So war es aber nicht. Mich hat berührt zu sehen, wie wichtig es vielen Hörern war, ihre Wahrnehmungen exakt zu fassen. Das hatte etwas sehr Respektvolles, dem eigenen Erleben genauso wie den Autoren gegenüber. Und manchmal mündeten ihre Beschreibungen in Bilder, die selbst eine poetische Qualität haben.

Ganz und gar überraschend war für mich aber etwas anderes: Sobald jemand einen besonders intensiven Kontakt zu einer Lesung herstellen konnte, taucht immer wieder das Motiv auf, das Gehörte sei eigentlich gar keine “Lyrik” gewesen. Das sei “mehr” gewesen, vielleicht Malerei oder Musik oder überhaupt Kunst. Nun könnte man etwas sagen wie: “Ja, genau, so einen schlechten Ruf haben Gedichte in unserer Kultur – wenn etwas interessant ist und Freude macht, kann es keine Lyrik gewesen sein.” Ich glaube aber, darin steckt noch mehr.

Die gelingende poetische Wahrnehmung ist offenbar mit dem Wort “Sprache”, wie wir es im Alltag verwenden, nicht fassbar. Vielmehr tippen Gedichte die Gerüche, Klänge, Temperaturen der Wörter an – der sowjetische Psychologe Lev Vygotskij nannte das in den 1930er Jahren den “Sinn”, den Wörter für uns haben. Die Bedeutung ist für Vygotskij das, was auch in einem Wörterbuch stehen könnte. Der Sinn dagegen ist gewissermaßen das Fleisch eines Wortes, er ist alles, was wir mit dem Wort erlebt haben. Einerseits individuell – andererseits ist das die Voraussetzung für Kommunikation: Nur wenn ich aus meinem Sinnvorrat weiß, was der andere mit “verärgert” oder “verliebt” meinen könnte, können wir uns verständigen. Der Sinn speist die Bedeutung und umgekehrt, beide verändern sich über ein Leben hin. Die Rezipientenäußerungen bei unseren Lesungen deuten nun darauf hin, dass Gedichte diese individuelle Sinnsphäre aufrufen und in sie eingreifen. Damit würden die Gedichte eine Art gedanklicher Basisoperation vornehmen – und womöglich gelingt ihnen das im Hörbaren deshalb besonders gut, weil unsere sprachlichen Fundamente ja auch übers Hören gelegt worden sind.


Was würden sie sich für das Selbstverständnis der Rezipienten wünschen?

Ich wünsche mir für die Rezipientinnen von Gedichten vor allem eines: Selbstbewusstsein. Die Hörerin hat dem Gedicht gegenüber keine Bringschuld. Wir haben es mit einem offenen, großzügigen System zu tun: Wenn die Kontaktaufnahme gelingt, wenn ich das Gefühl habe, das Gedicht geht mich an (wie es der Literaturwissenschaftler Johannes Anderegg formuliert hat), dann ist bereits das passiert, was das Gedicht angestrebt hat. Dazu muss ich meine Erfahrung nicht in Worten wiedergeben können – und wenn ich doch von meiner Erfahrung sprechen möchte, muss das nicht die Form einer Nacherzählung oder “Analyse” des Gedichts annehmen, um für andere interessant zu sein.


Wie sollte das Verhältnis von Produzentin und Rezipientin idealerweise aussehen?

Ich glaube, die Produzentin ist für die Hörer vollkommen irrelevant. Auf der Bühne ist sie zwar die Vortragende, die den Text zur Verfügung stellt, und bestimmt ist sie dafür besonders kompetent. Aber prinzipiell könnte das eine andere Stimme auch. Die poetische Interaktion findet für mich ausschließlich zwischen einem konkreten Gedicht und einer konkreten Hörerin statt. Ich meine, es würde der Lyrik guttun, wenn es mehr Interesse an diesem rezeptiven Vergnügen gäbe als an den Produzenten. In meiner Idealvorstellung würde das dann sogar das Leben der Produzenten verbessern.

Übrigens waren die Rezipientinnen in unserem Projekt hier ganz anderer Meinung als ich: Sie waren praktisch geschlossen der Ansicht, es sei für ihre Wahrnehmung entscheidend gewesen, dass die Autorinnen ihre Texte selbst gesprochen hätten…


Was passiert, wenn eine Autorin ihren eigenen Text vor Publikum vorliest?

 Lyriklesungen sind formal meist unspektakulär. Aber gerade diese Reduktion bereitet offenbar die Bühne für eine ziemlich radikale Transformation. Die Zuhörer in unserem Projekt haben immer wieder davon gesprochen, es habe bei den Lesungen einen Übergang gegeben, eine Art Raumwechsel. Es scheint Folgendes zu passieren: Zuerst wird die Autorin als Person wahrgenommen, die einem etwas erzählt – da ist noch Alltag und nicht Gedicht. Sobald aber die Autorin als Dichterin spricht, verlässt sie dieses Paradigma: Dann sitzt da keine biografische Person mehr, die “sich ausdrückt”. Es spricht eine – wie Barbara Köhler sich im Rahmen des Projekts geäußert hat – “unprivate” Stimme. Und erst wenn die dichterische Stimme als “nicht privat” und übertragbar empfunden wird, sie aus einem Körper spricht, der viel mehr exemplarisch als biografisch-privat ist, öffnet sich das Gedicht für die Interaktion.

Die Rezipientinnen sprechen dann von einem “im Gedicht drin sein” und das meinen sie anscheinend ganz konkret. Weil das Gedicht nicht sagt “Und dann ist mir das passiert und hat mir das und das bedeutet”, sondern lediglich “Es gibt und bedeutet für jemanden etwas”, fehlt ein verbindlicher Bezugspunkt. Die Hörerinnen werden so dazu angeregt, das Gehörte auf sich selbst anzuwenden. Sie setzen sich selbst als möglichen Ankerpunkt ins Gedicht ein und fragen sich: “Was kann das für mich bedeuten?”. Die Rezipientenaussagen deuten darauf hin, dass das Gedicht erst dann und nur so “funktioniert”: Wenn das Gedicht spezifisch und eigen genug ist, nehmen es die Rezipienten als Material für eine Selbstansprache, die forschend und fragend, spekulierend und explorativ ist.

Und die nicht zuletzt deshalb möglich wird, weil Gedichte traditionell mit Anredefiguren arbeiten. Das tun sie auch heute noch – ungeachtet dessen, dass die “Ach!”- oder “Oh!”- Ausrufe in den Gedichten weniger geworden sind. Solche Anredefiguren aber lassen sich nicht in eine Erzählung umwandeln. Einige Literaturwissenschaftler weisen darauf hin, dass deshalb diese Besonderheit der Lyrik, die sie von allen anderen Gattungen unterscheidet, oft überlesen oder ignoriert wird. In einer Stimme dagegen lassen sich die Dinge nicht so einfach “überlesen” oder “überspringen”, die Stimme scheint imstande, den Reiz zum individuellen Nachvollzug so zu setzen, dass die Hörer ihm nachgeben.


Sie schlagen vor, die Lyriklesung als Objekt einer performativen Reflexion zu begreifen. Was verstehen sie darunter?


Poetry and Performance (2) – Reading and Recording

Posted in Carolin Callies by lyrikline on 16. March 2016

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Poets that read their own poetry seem rather normal to us – but what exactly is happening in the moment of such a presentation? When we asked German poets Carolin Callies about her experiences the answer was quite surprising: Whenever she finishes a poem it develops a certain independence and distance to its own creator. Accessing the poem in a state of completion becomes a theatric act that can also include a different set of voices or attitudes.


Carolin Callies Foto: Timo Volz


>>>  [a playlist for World Poetry Day 2016] studio highlights


On the other hand listening to a poet often develops closeness between the performer and the audience. Besides the individual differences in tone and voice the phonetic and rhythmic aspects of poetry suddenly appear. Rhymes, assonances and alliterations unfold their effects, verses and structures become audible compositions. Recordings can tell us about all kinds of aspects: How does the poet approach her reading? What atmosphere and intensity does she create? Where does she place the breaks, which lines are being stressed? Does she follow the original text or is she being drawn into the process?

lyrikline allows us to share this moment with hundreds of poets and listen to our favorite poems again and again.

But what does it mean when an author reads her own poems? And what about the relations between poem, author and audience? The following sketches two positions demonstrating the differences of an understanding of poetry.

A common point of view can be summarized by the following statements:

>> The written poem is a completed art work and therefore is unchangeable.
>>Every presentation of the poet is an interpretation that refers to its original.
>>The author holds a special intention that she can work out with the means of her presentation.
>>The meaning of poem can be understood best, when the author presents it, because she will interpret it correctly.

A performative approach however considers the process of the presentation already as an own artistic event.

>>A poem is not a written text but its performance. Its realization happens in the process of writing and reading.
>>The reading itself with all its coincidences and transformations is to be taken seriously. Time and space are part of the aesthetical experience.
>>This means that the signification of a poem is not firm but depends on the context. Enactments replace interpretations. The reference to an original is not necessary. An enactment imposes its own standards.
>>It is not required that the audience tries to understand the intention of the author. Its own aesthetical experience is basis of their own involvement.

Whether it is the listening to a live reading or to a recorded playlist on lyrikline: The voice of the author makes a difference. But how we perceive the result depends on our understanding of poetry that apart from the given examples can be individually cultivated.


Carolin Callies on lyrikline



Poesie und Performance (2) – Lesungen und O-Töne

Posted in Autoren / poets, Carolin Callies by lyrikline on 16. March 2016

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Dass Autorinnen ihre Gedichte vorlesen erscheint uns als Selbstverständlichkeit – doch was passiert eigentlich in dem Moment in dem eine Dichterin ihre eigenen Texte einem Publikum vorliest? Wir begleiten Carolin Callies bei der Lesung ihrer Gedichte im Tonstudio der lyrikline und auf der Bühne der Literaturwerkstatt Berlin.

>>>  [a playlist for World Poetry Day 2016] studio highlights


Im Vortrag bekommt der Zuhörer jenseits der individuellen Stimm- und Klangfarbe der Dichterin noch sehr viel mehr zu hören. Hier werden die klanglichen Aspekte eines Gedichtes transportiert, seine lautlichen Bezüge und rhythmischen Strukturen. Reime, Assonanzen und Alliterationen entfalten ihre ganze Wirkung, strengere Strophen- und Gedichtformen geben ihren Aufbau hörbar preis. Der O-Ton einer Dichterlesung beinhaltet viele spannende Aspekte, in die man sich hörend vertiefen kann: Wie geht der Dichter seinen Gedichtvortrag an? Was lässt er mitschwingen, was bringt er an Stimmung, Intensität und Pathos mit ein? Wie setzt er die Pausen, wo den Spannungsbogen? Wo folgt der Dichter seinem Ausgangstext, wo überlässt er sich dem Textfluss, wo gerät er ins Stocken, wo kontrastiert er ihn vielleicht? Insbesondere auf lyrikline, wo das Hören einer Dichterstimme zu einem ganz intimen Moment werden kann, lassen sich die angesprochenen Aspekte nachhören und wiederholen, so oft man will.

Was passiert aber mit dem Gedicht, wenn es durch seine Autorin vorgelesen wird?  Die folgenden Sichtweisen demonstrieren, wie unterschiedlich ein Verständnis von Lyrik sein kann.

Ein weit verbreitetes Verständnis des Verhältnisses von Gedicht, Autorin und Publikum lässt sich auf folgende Aussagen reduzieren:

>> Das geschriebene Gedicht ist ein abgeschlossenes Werk und unveränderlich.
>> Jeder Vortrag des Gedichts ist eine Interpretation, die von einem Original ausgeht.
>> Der Autor hatte eine bestimmte Intention, die er durch die Mittel des Vortrags herausarbeiten kann.
>> Das Gedicht kann durch den Vortrag des Autors besser verstanden werden, weil dieser es seiner Intention entsprechend richtig interpretiert.

Ein performativer Ansatz dagegen begreift sowohl den Entstehungsprozess eines Gedichts als auch das Ereignis des Vortrags als etwas, dem man schon einen eigenen künstlerischen Charakter zuweisen kann:

>> Das Gedicht ist nicht der niedergeschriebene Text, sondern realisiert sich allein im Vorgang des Schreibens, des Lesens und des Vorlesens.
>> Die Lesung selbst ist mit all ihren Zufälligkeiten und Abläufen ernst zu nehmen. Raum und Zeit gehören zur ästhetischen Erfahrung dazu.
>> Damit ist die Bedeutung des Gedichts nicht fest, sondern situationsabhängig. Statt Interpretationen lassen sich Inszenierungen feststellen, die sich auf kein eigentliches Original mehr beziehen. Was eine gute Inszenierung ausmacht legen ihre eigenen Maßstäbe fest, die immer wieder neu verhandelt werden müssen.
>> Die Rezipientinnen müssen nicht länger versuchen zu verstehen, was der Autor eigentlich sagen wollte. Ihr eigenes ästhetisches Erleben des Gedichts ist der Ausgangspunkt für eine Auseinandersetzung.

Das Entscheidende sowohl bei einer Live-Lesung als auch beim Anhören einer Playlist auf lyrikline ist, dass die Autorin selbst liest. Dass dies zwangsläufig die beste Weise ist ein Gedicht zum Sprechen zu bringen, ist jedoch keine Selbstverständlichkeit, sondern hängt von dem individuellen Verständnis von Lyrik ab, das sich neben den vorgestellten Positionen natürlich auch noch in ganz anderen Weisen zusammensetzen kann.


Carolin Callies  auf lyrikline 




Interviews on “poetry & refugees” for World Poetry Day 2015

Posted in Autoren / poets by lyrikline on 21. March 2015

It has become a tradition over the past years that we use World Poetry Day on March 21 to focus on a specific aspect or topic of the poetry world. The situation of refugees has a sad currentness all over the world today and it affects also poets, in their personal life and in their writing.


photo: Department for International Development/K. Joseph

We asked a handful of “lyrikline-poets” who have a personal relation to this topic to answer a written interview to share their ideas and experiences. Each of the poets got a questionnaire and was
free to chose from a range of questions. The answers that reached us are remarkable, important, and moving and we would like to thank all the poets very much for openly speaking about their opinions and events in their life.

Thank you:
Ali Al-Jallawi
Ghayath Almadhoun
Fiston Mwanza Mujila
Mansur Rajih
Marie Silkeberg
Diana Vallejo

You can read each interview in an own blog article and we hope you’ll find them as enriching as we do. Have a good World Poetry Day and “Listen to the Poet!”

Interviews on “poetry & refugees” – 1 – Mansur Rajih

Posted in Autoren / poets by lyrikline on 21. March 2015

Rajih_bigMansur Rajih was born in Yemen in 1958 where he was imprisoned for 15 years. He came to Stavanger City of Refuge in Norway in 1998. 


Lyrikline Blog (LB): Where do you come from and why did you leave your country of origin?

Mansur Rajih (MR): I came to Norway from Yemen after a lengthy international campaign. I was a prisoner of conscience. They arrested me for exercising my freedom of expression about life in a dictatorship And my activity in the field of struggle for democracy and human rights. I was in prison for 15 years.

LB: In your view, is it the task of a poet also to be a chronicler or witness of his/her time?

MR: To create a poem is an act of beauty. An author must be – not a witness, but involved and active. I believe in seeing, acting and being alive through writing poetry. Life is full of forces that we must counteract.

LB: What impact on society or politics can a poem have? Do oppressive regimes have to fear poetry?

MR: The poet’s task is (more…)

Interviews on “poetry & refugees” – 2 – Diana Vallejo

Posted in Autoren / poets, Diana Vallejo by lyrikline on 21. March 2015

Diana Vallejo was born in Honduras in 1969. She moved to Europe.

Lyrikline Blog (LB): In your view, is it the task of a poet also to be a chronicler or witness of his/her time?

Diana Vallejo (DV): The poetry itself is a result of what you think, your reflections, your deep beliefs and fears, what you feel, those desires or hopes that we have. In certain social conditions this deep view of our humanity will have a certain line and shape, a map of what we are living or knowing about our surroundings, even the geography will be an influence in that poem. For me the written poem is the last result of our vulnerability like a human being. In my case it is not a task, but it is inevitable that I show or tell that special place or chronicle that lives through me again, so the action of publishing a poem in the paper converts me to some kind of witness of any field. For example I can say that I witness a person, or a bird or a country, the space, or the life, so yes it can be a task, but is not an obligation, you decide that. To write or not to write is very similar to … to be or not to be.

LB: What impact on society or politics can a poem have? Do oppressive regimes have to fear poetry?

DV: Fear? I don’t think so, because they don’t care about human life and they really don’t understand the content of humanity. But shame, yes, they feel shame, (more…)