Poetry and Performance – Overview
The celebration of World Poetry Day is over – but the playlists and the postings about Poetry and Performance are still online. This is an overview of all interviews, videos and texts.
(1) Approaching UNESCO World Poetry Day
Essay about performance and expectations towards a performative event
lyrikline playlist live performances
(2) Reading and Recording
Video of a recording session and a reading by Carolin Callies [German with English summary]
lyrikline playlist studio hightlights
(3) No performance without an audience
Interview with scientist and poet Anja Utler about the reception of spoken poetry
lyrikline playlist talking to the audience
(4) Presenting a poem in different ways
Interview with Gerhard Falkner about artistic cooperation [German video with English summary]
lyrikline playlist music performances
(5) Voices in action
Videos of three artists in the field of spoken word, rap and slam poetry
lyrikline playlist spoken word performer
(6) Sound out loud!
Interview with Pierre Guéry, Eirikur Örn Norddahl and Jaap Blonk about their performative experiences
lyrikline playlist sound poetry
(7) World Poetry Day
Celebration of World Poetry Day with performances of Kurt Schwitters, Jaap Blonk and Anat Pick
Poesie und Performance – Eine Übersicht
Die Festivitäten zum Welttag der Poesie sind vorbei – doch die deutschen und englischen Beiträge und Playlists zu Poesie und Performance sind weiterhin online. Eine Übersicht über die einzelnen Texte, Videos und Interviews erleichtert den Zugriff:
(1) Welttag der Poesie auf lyrikline
Ein einleitendes Essay erläutert eine Verwendung des Performance-Begriffs, ein kurzer Audio-Betrag gibt Einblicke in die Erwartungen an eine Performance von Seiten des Publikums.
lyrikline playlist live performances
(2) Lesungen und O-Töne
Die Dichterin Carolin Callies wird filmisch bei einer Aufnahmesituation im Tonstudio der lyrikline und bei einer Lesung in der Literaturwerkstatt Berlin begleitet. Unterschiedliche Arten des Lyrikverständnisses werden aufgegriffen.
lyrikline playlist studio highlights
(3) Keine Performance ohne Rezipierende
In einem ausführlichen Interview gibt die Wissenschaftlerin und Dichterin Anja Utler Auskunft über ihr Forschungsgebiet “Wahrnehmung von gesprochenen Gedichten”.
lyrikline playlist talking to the audience
(4) Viele Arten ein Gedicht zum Sprechen zu bringen
Ein Video zeigt den Dichter Gerhard Falkner im Interview mit lyrikline über seine Kooperationen mit anderen Künstlern und den Performances, die dabei entstehen.
lyrikline playlist music performances
(5) Voices in action
Drei Videos mit TJ Dema, Sharrif Simmons und Maud Vanhauwaert zeigen die kraftvolle Wirkung von Gedichten im Umfeld von Spoken Word, Rap und Slam Poetry.
lyrikline playlist spoken word performer
(6) Sound out loud!
In einem englischen Interview berichten die Soundpoeten Pierre Guéry, Eirikur Örn Norddahl und Jaap Blonk von ihren performativen Ansprüchen und Erlebnissen.
lyrikline playlist sound poetry
(7) World Poetry Day
Wir feiern den Welttag der Poesie mit drei großartigen Performances von Kurt Schwitters, Jaap Blonk und Anat Pick.
Poetry and Performance (7) – World Poetry Day
Herzlichen Glückwunsch zum Welttag der Poesie!
An alle Dichter und Denkerinnen, Liebhaber, Selberschreiber und alle, die ohne Poesie nicht aus dem Haus gehen wollen. Mit dem Ende einer Woche voll Poesie und Performance kehren wir zum gemeinsamen Urgrund zurück und feiern mit drei bahnbrechenden Poesie-Performances das Aufkommen und die Vielfalt poetischer Performancekonzepte, ihre Weiterentwicklung, ihre internationale Sprengkraft und ihr DADA-Potenzial. Hier sind Ausschnitte aus Kurt Schwitters Ursonate gelesen vom Autor, Jaap Blonks Performance Ursonography der Schwitterschen Ursonate und Anat Picks Part 1 der tongueTrum (N’ur so nata).
World Poetry Day Congratulations!
To all poets, performers and poetry lovers! This is our final posting in a week full of poetry and performance recalling the very basis of all performative poetry: With Kurt Schwitters´ Ursonate (primordial sonata or sonata in primordial sounds), Jaap Blonk and Golan Levin performing Ursonography and Anat Picks Part 1 tongueTrum (N’ur so nata) we want to celebrate poetic performances and their further development, their international impact and their dada potential.
Listen to the whole piece performed by his son Ernst Schwitters at/ die gesamte Sonate gesprochen von seinem Sohn Ernst Schwitters auf: Kurt Schwitters Ursonate UBU
Noch mehr Versionen von Jaap Blonk auf/ more versions at Jaap Blonk Ursonate UBU
Anat Pick foto: gezett
tongueTrum (N’ur so nata) Pt. I by/von Anat Pick (Textvorlage/script at/auf lyrikline)
Auf ein neues Jahr voller Stimmen, Laute und Gedichte, die man hören muss!
To another wonderful year of sounds, voices and poems that want to be heard!
Anat Pick and
Jaap Blonk at lyrikline
Poetry and Performance (6) – Sound out loud!
Performativity is a central characteristic of sound poetry: Poetry and sound become one. Written notices are only of supportive function and help to realize the poems as sounds. Voice and body of the performers are part of the event that can be a bodily experience for both performers and audience. Sound poets are known for their extreme dedication. They scream and whisper fighting or praising the word and its acclaimed meaning.
[a playlist for World Poetry Day 2016] sound poetry
We asked sound poetry-performers Pierre Guéry, Jaap Blonk and Eirikur Örn Norddahl about their personal artistic view on performance and their experiences with it. And once more we find out, that the term performance has a wide range that differs a lot in both its theoretical understanding and its – performance!
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Bei Lautpoesie steht die Performativität der Gedichte unangefochten im Mittelpunkt: Laut und Gedicht sind eins, schriftliche Notizen dienen meist nur als behelfsmäßige Gedächtnisstützen und stehen als solche hinter der Realisierung des Gedichts im Laut zurück. Stimme und Körper der Performenden sind unmittelbar mit dem Ereignis verknüpft, das auch für das Publikum zu einer körperlichen Erfahrung werden kann. Lautpoetinnen und -poeten sind für ihre außerordentliche Präsenz, ihre Lust am Experimentieren und ihre unübertroffenen Hingabe auf der Bühne bekannt.
[a playlist for World Poetry Day 2016] sound poetry
Pierre Guéry, Jaap Blonk und Eirikur Örn Norddahl beantworten für lyrikline Fragen zu ihrem Verständnis von Performance und berichten aus ihrem Erfahrungsschatz. Die englischen Interviews werden durch Videos ergänzt, die Guéry und Norddahl in Aktion zeigen. Und Blonk? Den zeigen wir am Welttag der Poesie.
Blonk (foto: gezett), Norddahl and Guéry
What is a performance – what is not performative?
Pierre Guéry: Concerning poetry, a performance is not a simple reading. Above all it is the whole poet’s body into space creating an energetic contact with the audience. With a text of course, but with a type of text that can involve the entire being of the poet: what he means with words, for sure, but also what his body suggests, what his voice impacts. For a performance the poet cannot remain into distance with his creation – whether he’s alone or with other artists on stage. Basically, he’s got to recall the specific pulse that was inside him while writing and give it back to the audience in its nudity. He’s got to have a strong will for transmitting and sharing this pulse sincerely, not being afraid by his fragility or violence. The audience knows very well whether this happens or not, and there is no possible cheating.
What is not performative: a simple reading with a great musician or a nice video! This is not enough to call it performance, though it is very current. Poetry performance (especially what is called sound poetry), as well, is not just yelling words like a mad person! A poetic performance is not just melting different arts to give the poem a beautiful suit.
Jaap Blonk: For myself it is 100% clear if I am performing or not. It’s a matter of turning a switch from 0 to 1 and back.
In the case of most poets I have seen on stage, supposedly performing, it wasn’t so clear if they were actually doing a performance or not.
Eirikur Örn Norddahl: My idea of performance is very much connected to the idea of “live” – a recording of a performance is closer to being text, which is then only performative at the moment of writing.
How important is loudness to your work?
Pierre Guéry: Loudness is just a help and can be fun. I use it quite often and create some effects that amplify what my voice wants to give. It is only a tool in my work and I never base on it because I want to keep a certain nudity. I do not want to count on technology to find something that I don’t possess myself.
Jaap Blonk: I assume by loudness you mean volume (dynamics in musical terms). This is of eminent importance for my work. I give it the utmost care in all gradations.
Eirikur Örn Norddahl: There needs to be a framed spectrum – the spectrum doesn’t have be great, but there needs to be an upper and lower border within which the artwork functions, for there to also be a breaking point, a point where the border is pierced and/or crumbles. It can never be so loud that you cannot – through effort – still make it a little bit louder if needed. I have also often thought of the connection between loudness and power as being interesting, not only because we often see the correlation – whether it be shouting police dogs or bombs – but because loudness is also a mask for the powerless, just as silence is a mask for the powerful.
What must the audience provide?
Pierre Guéry: There is no « must »! The audience provides or not, and it provides what it provides if the poet himself provides something strong – otherwise no feedback!
Jaap Blonk: There’s nothing the audience ‘must’ provide. However, I very much appreciate it if their interest goes deeper than just attending a performance, and also stretches toward the permanent objects of art, such as books and recordings.
Eirikur Örn Norddahl: Presence. Humanity.
What was the greatest thing that happened to you onstage?
Pierre Guéry: So many great things happen all the time! The greatest thing is probably, most often, what is unexpectable – when the feedback is a total surprise (and consequently gives an unknown and new meaning to the piece that is performed).
Also when work involves another artist and when both poet and artist touch a state of grace by « making love to eachother » onstage – I mean find their own soul in the other one’s soul.
Jaap Blonk: Crossing what I had so far considered ‘the border of madness’, and finding out that the audience was not embarrassed at all, but touched by a genuine artistic utterance.
Eirikur Örn Norddahl: I don’t know if it can be considered great, but I once for a moment thought I had killed the great Jacques Roubaud with my poetry. He was sitting at the front at a show at the Days of poetry and wine in Ptuj, Slovenia, on a shaky stump of wood. When I started my show – which consisted of all sorts of weird noises and conceptually and politically motivated wisecracks – he started laughing. And he just kept laughing. When I broke into a ten minute shoutfest consisting of 17th century Icelandic zaum-nonsense he laughed so hard that he fell of his tree stump, stumbling on to the sidewalk. He was 80 at the time and half the festival panicked and got up to see if he was OK, and I still had eight minutes left of my shoutfest, looking out the corner of my eye feeling very insecure as to whether or not I had accidentally murdered one of my idols and whether or not that meant I should stop. (He was fine; and I didn’t stop).
I once had a whole platoon of finnish teen girls and horse enthusiasts chant along with one of my poems with great energy, I have had children go mad with joy, running around glowing – but I’ve also had people boo me, throw stuff at me, I have had people cry, shout, and one person even had an epileptic fit when I was on stage. And then I hadn’t even started reading yet.
Poetry and Performance (5) – Voices in action
Spoken Word, Rap, and Slam Poetry: Those could be first things that come to mind when we think about poetry and performance. Voices, words and poems are loud and powerful when they fight for justice and against repression. But the words always also stand and fight for themselves, for the space they need, their language and the connections they achieve. In TV-Shows and concert halls performers like Ursula Rucker, Saul Williams, L-ness and others give rise to the power with which a poem constitutes and forms a reality.
[a playlist for World Poetry Day 2016] spoken word performer
The selected videos demonstrate how the established surroundings of poems and their categories can be challenged to find new ways of reaching an audience. TJ Dema postulates a word in action, Sharrif Simmons meets other artists in the streets of a foreign country, Maud Vanhauwaert performs her poem in a quotidian surrounding.
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Spoken Word, Rap, Slam Poetry: So könnte eine spontane Assoziationskette aussehen, die an Poesie und Performance anknüpft. Hier treten, Stimme, Wort und Gedicht unüberhörbar in Aktion. Oft tritt das Wort für eine gerechtere Gesellschaft ein und gegen Repression. Dabei steht und kämpft es immer auch für sich und für den Raum, den es greift, für die Sprache, die es spricht, die Verbindung, die es schafft. Performerinnen wie Ursula Rucker, Saul Williams, L-ness und andere setzen auf die realitätserzeugende Wirkung der Wörter und demonstrieren in vollen Konzertsälen, in Fernsehshows und auf Wettbewerben die Kraft ihrer Stimmen.
[a playlist for World Poetry Day 2016] spoken word performer
Die ausgewählten Videos zeigen, wie über die bereits etablierten Gedicht-Schauplätze und Kategorien hinaus auf ein Publikum zugegangen werden muss, um einer Zuhörerschaft neu zu begegnen. TJ Dema formuliert die Forderung nach dem Wort in Aktion, Sharrif Simmons testet seine Wirkung in einem fremden Land, Maud Vanhauwaert bringt ihr Gedicht in alltäglichen Situationen zum Einsatz.
TJ Dema
Sharrif Simmons
Maud Vanhauwaert
Poetry and performance (4) – Presenting a poem in different ways
A poem is a poem – what else could it be? The German poet Gerhard Falkner is eager to try out new ways of presenting his work. Collaborations with other artists, filmmakers, graphic and sound designers are the results of his curiosity towards new shapes and dimensions of poetry.
[a playlist for World Poetry Day 2016] music performances
Gerhard Falkner Foto: gezett
In an interview with lyrikline he describes the two steps of his artistic process. During the creation of a poem the dimension of sound is already included: “Denken ist hören” – “thinking is listening” and cannot be separated from writing or reading. But the access to poetry differs: Reading and listening are two possibilities with different advantages. The second step of the process comes after the production when the “original” poem is already concluded. In collaborations Falkner describes himself as a tree that is being put in scene by a fence or a poster: It is still the tree but it is being looked at differently. His openness towards working together with other artists anticipates the recognition of different energies. Text, sound and action must profit from the coincident presentation. The first performance of Das Wort by Gerhard Falkner and Sound Designer Johannes Malfatti at the Literaturwerkstatt Berlin demonstrates the synergy of improvisation and montage of text and sound.
Poesie und Performance (4) – Viele Arten ein Gedicht zum Sprechen zu bringen
Ist das Gedicht immer schon Performance? Oder ist es erst einmal nur der Ausgangspunkt, der einzeln für sich steht und gleichzeitig die Auseinandersetzung und Weiterentwicklung durch andere Künstlerinnen sucht? Gerhard Falkner ist in der Dichterszene für seine Experimentierfreudigkeit bekannt. Für ein Interview mit lyrikline gibt er Einblicke vom Entstehungsprozess seiner Gedichte bis zur Aufführung mit anderen Künstlern.
[a playlist for World Poetry Day 2016] music performances
Eine Audioaufnahme der Live-Performance Das Wort in der Literaturwerkstatt Berlin demonstriert die Synergien, die der Zusammenarbeit von Gerhard Falkner und Johannes Malfatti entspringen.
Poetry and Performance (3) – No Performance without an audience
Talking about a performance is talking about the performers. While they appear in bright spotlights the audience is often seated in the dark receiving patiently what is being presented. As an author and poet Anja Utler knows the position of the performers. But besides her artistic work she engages in questions that also ask for the role of the audience. After working on a research project she published a book about the perception of spoken poetry. “manchmal sehr mitreißend”. Zur poetischen Erfahrung gesprochener Gedichte (transcript Verlag, Bielefeld, 2016) is a detailed analysis of the receptive processes during a poetry reading on the background of performative aesthetics.
>>>[a playlist for World Poetry Day 2016] talking to the audience
Anja Utler Foto: Tilman Grimm
In an interview with lyrikline Anja Utler explained that the feedback she got for her own readings was the starting point for her interest: Why did so many people insist that they had to listen to her poetry to be able to understand it? Listening to a text allows a different perception of it. In her book Utler describes the process of perception between the poem and the recipient while the role of the performing poet is put back. But not everybody agreed on her statement that the person reciting the poem is exchangeable.
The importance of the role of the recipients demands a new approach to the receptive process of spoken poetry. A performative approach to a poetical reading allows us to focus on the event character of a poetical experience. Instead of a distance that imposes an understanding (which can be the case with prose) the experience of poetry is a process of engagement. Reading as well as listening can be seen as possibilities of engagement that each need to be considered as an autonomous way of the perception of poetry. According to Utler a good poem-recipient-relation is opening a space for the speculative and offers a new perspective on our own thoughts and ideas.
Poesie und Performance (3) – Keine Performance ohne Rezipierende
Wenn von Performance die Rede ist, fällt das Scheinwerferlicht nicht nur im wörtlichen Sinne zunächst auf die Performenden. Während sie im Licht erstrahlen, sitzt das Publikum meist im Dunkeln und nimmt schweigend auf, was ihm präsentiert wird. Anja Utler gehört selbst zur Gruppe der Gedichtproduzierenden. Doch abseits vom eigenen dichterischen Schaffen geht die promovierte Slawistin auch Fragen nach, die sich beim Sprechen von Gedichten ergeben und beleuchtet dabei vor allem die Seite des Publikums. Aus der Arbeit an einem Forschungsprojekt, das sich mit den Eindrücken von Dichterlesungen beschäftigte, entstand eine ausführliche Publikation. Einige wichtige Erkenntnisse aus dem Buch “manchmal sehr mitreißend”. Zur poetischen Erfahrung gesprochener Gedichte (transcript Verlag, Bielefeld, 2016) hat sie im Interview mit uns noch einmal aufgegriffen.
>>>[a playlist for World Poetry Day 2016] talking to the audience
lyrikline – Interview mit Anja Utler vom 09.03.2016
Anja Utler Foto: Tilman Grimm
Warum beschäftigen Sie sich mit der Erfahrung gesprochener Gedichte?
Nach meinen eigenen Lesungen sagen immer wieder Leute, sie hätten die Gedichte hören müssen, um sie zu verstehen. Viele Kollegen, auch in anderen Ländern, machen die gleiche Erfahrung. Das wirft Fragen auf, und ich fand diese Fragen spannend genug, um sie in einem Forschungsprojekt genauer anzusehen: Weisen diese spontanen Publikumsaussagen vielleicht tatsächlich auf den Kern der Sache hin? Gelingt der Übergang in poetisches Wahrnehmen und Verstehen vielleicht wirklich dann am besten, wenn man einer Stimme folgen kann wie einem Faden? Und warum?
In ihrem Buch “manchmal sehr mitreißend”. Über die poetische Erfahrung gesprochener Gedichte werden Rezipientinnenaussagen zu Dichterlesungen untersucht. Welche Reaktionen haben Sie überrascht?
Ich hatte befürchtet, dass viele Leute keine große Lust haben würden, nach einer Lesung aufzuschreiben, was beim Hören der Gedichte mit ihnen passiert ist. So war es aber nicht. Mich hat berührt zu sehen, wie wichtig es vielen Hörern war, ihre Wahrnehmungen exakt zu fassen. Das hatte etwas sehr Respektvolles, dem eigenen Erleben genauso wie den Autoren gegenüber. Und manchmal mündeten ihre Beschreibungen in Bilder, die selbst eine poetische Qualität haben.
Ganz und gar überraschend war für mich aber etwas anderes: Sobald jemand einen besonders intensiven Kontakt zu einer Lesung herstellen konnte, taucht immer wieder das Motiv auf, das Gehörte sei eigentlich gar keine “Lyrik” gewesen. Das sei “mehr” gewesen, vielleicht Malerei oder Musik oder überhaupt Kunst. Nun könnte man etwas sagen wie: “Ja, genau, so einen schlechten Ruf haben Gedichte in unserer Kultur – wenn etwas interessant ist und Freude macht, kann es keine Lyrik gewesen sein.” Ich glaube aber, darin steckt noch mehr.
Die gelingende poetische Wahrnehmung ist offenbar mit dem Wort “Sprache”, wie wir es im Alltag verwenden, nicht fassbar. Vielmehr tippen Gedichte die Gerüche, Klänge, Temperaturen der Wörter an – der sowjetische Psychologe Lev Vygotskij nannte das in den 1930er Jahren den “Sinn”, den Wörter für uns haben. Die Bedeutung ist für Vygotskij das, was auch in einem Wörterbuch stehen könnte. Der Sinn dagegen ist gewissermaßen das Fleisch eines Wortes, er ist alles, was wir mit dem Wort erlebt haben. Einerseits individuell – andererseits ist das die Voraussetzung für Kommunikation: Nur wenn ich aus meinem Sinnvorrat weiß, was der andere mit “verärgert” oder “verliebt” meinen könnte, können wir uns verständigen. Der Sinn speist die Bedeutung und umgekehrt, beide verändern sich über ein Leben hin. Die Rezipientenäußerungen bei unseren Lesungen deuten nun darauf hin, dass Gedichte diese individuelle Sinnsphäre aufrufen und in sie eingreifen. Damit würden die Gedichte eine Art gedanklicher Basisoperation vornehmen – und womöglich gelingt ihnen das im Hörbaren deshalb besonders gut, weil unsere sprachlichen Fundamente ja auch übers Hören gelegt worden sind.
Was würden sie sich für das Selbstverständnis der Rezipienten wünschen?
Ich wünsche mir für die Rezipientinnen von Gedichten vor allem eines: Selbstbewusstsein. Die Hörerin hat dem Gedicht gegenüber keine Bringschuld. Wir haben es mit einem offenen, großzügigen System zu tun: Wenn die Kontaktaufnahme gelingt, wenn ich das Gefühl habe, das Gedicht geht mich an (wie es der Literaturwissenschaftler Johannes Anderegg formuliert hat), dann ist bereits das passiert, was das Gedicht angestrebt hat. Dazu muss ich meine Erfahrung nicht in Worten wiedergeben können – und wenn ich doch von meiner Erfahrung sprechen möchte, muss das nicht die Form einer Nacherzählung oder “Analyse” des Gedichts annehmen, um für andere interessant zu sein.
Wie sollte das Verhältnis von Produzentin und Rezipientin idealerweise aussehen?
Ich glaube, die Produzentin ist für die Hörer vollkommen irrelevant. Auf der Bühne ist sie zwar die Vortragende, die den Text zur Verfügung stellt, und bestimmt ist sie dafür besonders kompetent. Aber prinzipiell könnte das eine andere Stimme auch. Die poetische Interaktion findet für mich ausschließlich zwischen einem konkreten Gedicht und einer konkreten Hörerin statt. Ich meine, es würde der Lyrik guttun, wenn es mehr Interesse an diesem rezeptiven Vergnügen gäbe als an den Produzenten. In meiner Idealvorstellung würde das dann sogar das Leben der Produzenten verbessern.
Übrigens waren die Rezipientinnen in unserem Projekt hier ganz anderer Meinung als ich: Sie waren praktisch geschlossen der Ansicht, es sei für ihre Wahrnehmung entscheidend gewesen, dass die Autorinnen ihre Texte selbst gesprochen hätten…
Was passiert, wenn eine Autorin ihren eigenen Text vor Publikum vorliest?
Lyriklesungen sind formal meist unspektakulär. Aber gerade diese Reduktion bereitet offenbar die Bühne für eine ziemlich radikale Transformation. Die Zuhörer in unserem Projekt haben immer wieder davon gesprochen, es habe bei den Lesungen einen Übergang gegeben, eine Art Raumwechsel. Es scheint Folgendes zu passieren: Zuerst wird die Autorin als Person wahrgenommen, die einem etwas erzählt – da ist noch Alltag und nicht Gedicht. Sobald aber die Autorin als Dichterin spricht, verlässt sie dieses Paradigma: Dann sitzt da keine biografische Person mehr, die “sich ausdrückt”. Es spricht eine – wie Barbara Köhler sich im Rahmen des Projekts geäußert hat – “unprivate” Stimme. Und erst wenn die dichterische Stimme als “nicht privat” und übertragbar empfunden wird, sie aus einem Körper spricht, der viel mehr exemplarisch als biografisch-privat ist, öffnet sich das Gedicht für die Interaktion.
Die Rezipientinnen sprechen dann von einem “im Gedicht drin sein” und das meinen sie anscheinend ganz konkret. Weil das Gedicht nicht sagt “Und dann ist mir das passiert und hat mir das und das bedeutet”, sondern lediglich “Es gibt und bedeutet für jemanden etwas”, fehlt ein verbindlicher Bezugspunkt. Die Hörerinnen werden so dazu angeregt, das Gehörte auf sich selbst anzuwenden. Sie setzen sich selbst als möglichen Ankerpunkt ins Gedicht ein und fragen sich: “Was kann das für mich bedeuten?”. Die Rezipientenaussagen deuten darauf hin, dass das Gedicht erst dann und nur so “funktioniert”: Wenn das Gedicht spezifisch und eigen genug ist, nehmen es die Rezipienten als Material für eine Selbstansprache, die forschend und fragend, spekulierend und explorativ ist.
Und die nicht zuletzt deshalb möglich wird, weil Gedichte traditionell mit Anredefiguren arbeiten. Das tun sie auch heute noch – ungeachtet dessen, dass die “Ach!”- oder “Oh!”- Ausrufe in den Gedichten weniger geworden sind. Solche Anredefiguren aber lassen sich nicht in eine Erzählung umwandeln. Einige Literaturwissenschaftler weisen darauf hin, dass deshalb diese Besonderheit der Lyrik, die sie von allen anderen Gattungen unterscheidet, oft überlesen oder ignoriert wird. In einer Stimme dagegen lassen sich die Dinge nicht so einfach “überlesen” oder “überspringen”, die Stimme scheint imstande, den Reiz zum individuellen Nachvollzug so zu setzen, dass die Hörer ihm nachgeben.
Sie schlagen vor, die Lyriklesung als Objekt einer performativen Reflexion zu begreifen. Was verstehen sie darunter?
Poetry and Performance (2) – Reading and Recording
Poets that read their own poetry seem rather normal to us – but what exactly is happening in the moment of such a presentation? When we asked German poets Carolin Callies about her experiences the answer was quite surprising: Whenever she finishes a poem it develops a certain independence and distance to its own creator. Accessing the poem in a state of completion becomes a theatric act that can also include a different set of voices or attitudes.
Carolin Callies Foto: Timo Volz
>>> [a playlist for World Poetry Day 2016] studio highlights
On the other hand listening to a poet often develops closeness between the performer and the audience. Besides the individual differences in tone and voice the phonetic and rhythmic aspects of poetry suddenly appear. Rhymes, assonances and alliterations unfold their effects, verses and structures become audible compositions. Recordings can tell us about all kinds of aspects: How does the poet approach her reading? What atmosphere and intensity does she create? Where does she place the breaks, which lines are being stressed? Does she follow the original text or is she being drawn into the process?
lyrikline allows us to share this moment with hundreds of poets and listen to our favorite poems again and again.
But what does it mean when an author reads her own poems? And what about the relations between poem, author and audience? The following sketches two positions demonstrating the differences of an understanding of poetry.
A common point of view can be summarized by the following statements:
>> The written poem is a completed art work and therefore is unchangeable.
>>Every presentation of the poet is an interpretation that refers to its original.
>>The author holds a special intention that she can work out with the means of her presentation.
>>The meaning of poem can be understood best, when the author presents it, because she will interpret it correctly.
A performative approach however considers the process of the presentation already as an own artistic event.
>>A poem is not a written text but its performance. Its realization happens in the process of writing and reading.
>>The reading itself with all its coincidences and transformations is to be taken seriously. Time and space are part of the aesthetical experience.
>>This means that the signification of a poem is not firm but depends on the context. Enactments replace interpretations. The reference to an original is not necessary. An enactment imposes its own standards.
>>It is not required that the audience tries to understand the intention of the author. Its own aesthetical experience is basis of their own involvement.
Whether it is the listening to a live reading or to a recorded playlist on lyrikline: The voice of the author makes a difference. But how we perceive the result depends on our understanding of poetry that apart from the given examples can be individually cultivated.
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